Programme mixte de Glen Tetley, Hélène Blackburn, Jérémy Galdeano, Věra Kvarčáková et Jiří Kylián
Bella Figura est un programme d’exception réunissant quatre œuvres fascinantes qui explorent, chacune à leur manière, la profondeur de l’expérience humaine. Sous ce titre évocateur, se déploient Voluntaries de Glen Tetley, Fête Sauvage d’Hélène Blackburn, un extrait de NEBE de Jérémy Galdeano et Věra Kvarčáková et Bella Figura de Jiří Kylián. Quatre univers distincts, quatre visions de la danse qui se répondent et se complètent dans une même quête d’émotion pure.
Avec Voluntaries, Glen Tetley compose un hommage vibrant à la résilience et à l’élévation spirituelle. Dans un tourbillon de mouvements suspendus entre ciel et terre, les danseurs traversent un deuil lumineux, portés par la musique envoûtante de Poulenc. Fête Sauvage, quant à elle, explose d’une énergie viscérale et instinctive. Hélène Blackburn y orchestre un ballet frénétique où la physicalité brute du mouvement célèbre la force du collectif et la puissance de l’instant présent.
L'extrait de NEBE chorégraphié par Jérémy Galdeano et Věra Kvarčáková invite, pour sa part, à un voyage céleste et méditatif. Dans une atmosphère éthérée, un duo navigue entre légèreté et rêverie, sur les notes délicates d’un extrait du Lac des cygnes. Une respiration suspendue dans le temps, inspirée par un mot tchèque signifiant à la fois ciel et paradis.
Enfin, Bella Figura, la pièce emblématique de Jiří Kylián, s’impose comme une réflexion troublante sur la beauté, l’illusion et la vulnérabilité. Entre ombre et lumière, nudité et artifice, les corps se dévoilent dans une danse qui oscille entre maîtrise et abandon. Plus qu’une performance, c’est une interrogation : où commence réellement le spectacle? Sur scène, dans les coulisses, ou dans la vie elle-même?
À travers ces quatre œuvres, Bella Figura devient une expérience totale, un voyage où la danse révèle ce que les mots ne peuvent exprimer.
À propos du spectacle
Durée totale : 1h51, incluant un entracte de 20 minutes
Avec Voluntaries, Glen Tetley compose un ballet qui est à la fois un voyage spirituel et une odyssée physique. Créée en 1973 pour le Ballet de Stuttgart, cette œuvre est un hommage bouleversant à John Cranko, disparu l’année précédente. Elle incarne la complexité chorégraphique et intellectuelle propre au style de Tetley, tout en étant une exploration crue du deuil et de la transcendance.
Dès les premières secondes, le ballet impose son atmosphère : un silence pesant, une absence vibrante. Puis, dans un fracas brutal, le premier accord du Concerto en sol mineur pour orgue, cordes et timbales de Poulenc transperce l’espace. Une figure émerge de l’ombre, le corps tendu vers la lumière, les bras décrivant de grands cercles, cherchant à saisir l’insaisissable. La musique de Poulenc, composée à une période où il s’éloignait des facéties de sa jeunesse pour embrasser une gravité presque sacrée, se déploie en volutes sonores tour à tour écrasantes et aériennes. Dans certains passages d’orgue éclatants de mélodie, une légèreté carnavalesque affleure encore, écho du théâtre parisien des années 1920 et 1930.
Tetley fusionne la danse classique et moderne avec une rare virtuosité. Voluntaries exige des interprètes une physicalité ardente, les poussant dans leurs retranchements. Ils doivent allier l’élévation éthérée du ballet à l’ancrage viscéral de la danse contemporaine. Le mouvement naît des profondeurs du corps, jaillit avec urgence, tout en conservant une apparente spontanéité. Une pose récurrente structure la chorégraphie : une croix vivante, bras étendus, tête rejetée en arrière, image évocatrice de la Crucifixion. Ce motif sert de pivot entre deux états d’être : d’un côté, des envolées spectaculaires où les danseurs défient la gravité, propulsés par les timbales et les orgues grondants ; de l’autre, des instants d’introspection, magnifiés par les passages lyriques de l’orchestre à cordes.
Voluntaries est une œuvre de liberté et d’élévation. En musique, un «voluntary» désigne une improvisation à l’orgue, souvent jouée lors d’un office religieux. Son étymologie latine renvoie à l’idée de «voler» ou de «désirer». Ce double sens résonne profondément dans la pièce de Tetley, où la danse devient un rituel de renaissance, un témoignage de la résilience de l’esprit humain face à la perte.
En transcendant les cadres de la danse, Tetley fait de Voluntaries une expérience autant qu’une œuvre. Pour les danseurs, c’est un passage initiatique, une mise à l’épreuve physique et émotionnelle. Pour le spectateur, c’est une méditation sur la mémoire, le deuil et la force vitale qui pousse le corps à se relever et à s’élancer, encore et encore, vers la lumière.
Chorégraphie : Glen Tetley © Glen Tetley Legacy
Musique : Francis Poulenc
Décors : Ivan Cavallari, Benoit Archambault
Costumes : Ivan Cavallari
Éclairages : Marc Parent
Durée : 33 minutes
Avec Fête Sauvage, Hélène Blackburn orchestre une ode viscérale et indomptée à l’élan vital du corps en mouvement, portée par la musique puissante de Martin Tétreault, dont la pulsation agit comme un cœur battant, menant à la combustion des corps et des âmes.
En presque vingt minutes d’intensité pure, la pièce libère une énergie brute et organique, où chaque interprète, mû par une urgence intérieure, s’abandonne à une transe physique qui consume les frontières individuelles pour embraser le collectif.
Solos et duos s’enchaînent dans une chorégraphie précise et acérée, traversée par une tension entre pulsion et retenue, entre chaos et structure. Les corps se frottent, se heurtent, se touchent dans une danse qui brûle de l’intérieur. Cette combustion n’est pas destruction, mais transmutation : celle d’un feu vital qui consume les carcans pour faire surgir l’instinct, le désir, l’excès.
Au fil des mouvements, une tribu éphémère de 17 danseurs se forme, se défait, se reforme. Dans cet espace de liberté arraché à la norme, les interprètes deviennent les membres d’un clan improvisé, liés par un besoin viscéral de contact, d’écoute et de résonance. Ensemble, ils composent une fresque vivante d’un rassemblement interdit, rituel sauvage et contemporain, où l’intensité de la vie s’exprime sans filtre.
«L’idée de Fête Sauvage m’est venue dans le sillage du confinement, au cœur de cette période où les rassemblements, même les plus intimes, étaient interdits. Le corps social tout entier était suspendu, isolé, contenu. Cette privation du contact, de la proximité, du souffle partagé, m’a profondément marquée. En tant que chorégraphe, c’était un choc : la danse, art de la rencontre et du vivant, était soudainement rendue illégitime, voire dangereuse. Fête Sauvage est une réponse à cette frustration, un besoin urgent de réactiver les corps, de retrouver la pulsation collective.
J’ai imaginé une tribu d’individus brûlants de vivre, mus par une force vitale qui résiste à l’enfermement. Ma chorégraphie fait appel autant à l’énergie de la danse contemporaine qu'à la précision et à la technique du ballet.
Je travaille beaucoup avec l’endurance et l’intensité physique des danseurs. C’est dans cet élan d’énergie brute que s’inscrit la pièce : elle met en scène un rassemblement interdit, clandestin et viscéral, une fête instinctive qui ne demande ni autorisation ni justification — un exutoire à la fois charnel et symbolique. Elle est née d’un manque : celui de l’autre, du rythme partagé. C’est une célébration de ce que nous avons failli perdre: le lien.»
— Hélène Blackburn
Chorégraphie : Hélène Blackburn
Musique : Martin Tétreault
Décors et costumes : Hélène Blackburn
Éclairages : Marc Parent
Durée : 20 minutes
Tiré de la pièce NEBE, cet extrait met en scène un pas de deux suspendu entre ciel et terre, où les corps se cherchent et se répondent dans une légèreté presque irréelle. Les danseurs traversent un paysage d’ombres et de lumière, effleurant l’idée du paradis. Une rêverie chorégraphique, entre présence fragile et éternité.
Chorégraphie : Jérémy Galdeano et Věra Kvarčáková
Musique : Pyotr Ilyich Tchaïkovski
Costumes : Marija Djordjevic
Éclairages : Chantal Labonté
Durée : 6 minutes
Avertissement : veuillez noter que le spectacle NEBE contient des lasers
L’idée derrière Bella Figura, ainsi que tout ce qui l’a construite, peut sembler simple au premier abord, mais elle se révèle bien plus complexe quand on la regarde à travers le prisme de notre propre expérience. C’est une parabole sur la relativité de la sensualité, de la beauté et de l’esthétique, mais aussi sur la façon dont nous affrontons ces notions au quotidien. C’est un voyage à travers le temps et l’espace, qui met en lumière à la fois notre dignité et nos doutes. Trouver la beauté dans une grimace, dans un esprit tourmenté ou dans une contorsion physique… C’est comme tenter un exercice d’équilibriste sur le fil invisible de notre existence.
Pour les danseurs, Bella Figura n’est pas seulement une démonstration de leur maîtrise technique ou de leur sens esthétique. C’est aussi une acceptation de leurs faiblesses, de leurs doutes et de leur vulnérabilité.
En italien, «Bella Figura» ne signifie pas seulement beau corps. C’est aussi une expression qui traduit une certaine résilience face aux difficultés de la vie. En d’autres termes, cela signifie aussi faire bonne figure…
Autrement dit, le public qui assiste à la représentation ne sait rien de ce que vit le danseur sur scène. Il ignore s’il traverse une période difficile ou s’il lutte intérieurement contre ses propres tourments. Mais le danseur, lui, sait que le public ne sait pas. Tout ce qu’il sait, c’est que ces spectateurs ont payé leur place et attendent d’être émerveillés. Alors, il met son Bella Figura et danse.
Depuis longtemps, je me pose ces questions :
"Qu’est-ce qu’une performance? Qui sont réellement les interprètes?"
"Quand commence réellement un spectacle? Est-ce quand le rideau se lève, ou dès notre naissance? Ou bien est-ce au moment où le chorégraphe enseigne les premiers pas aux danseurs?"
"Le spectacle débute-t-il quand les artistes se maquillent ? Et prend-il fin lorsqu’ils quittent la scène, ou bien se prolonge-t-il jusqu’à la fin de nos vies?"
"Quelle est la différence entre les vêtements que nous portons dans la rue et les costumes de scène? Où se situe la frontière entre l’art et l’artifice, entre le rêve et la réalité?"
Et enfin : "Où se trouve la limite entre la vérité et le mensonge?"
Finalement, toutes ces interrogations peuvent se résumer de façon bien plus simple : imaginez que vous rêvez de tomber de votre lit. Puis, en vous réveillant le matin, vous réalisez que vous avez une côte cassée.
-Jiří Kylián - La Haye, 23 septembre 2007
Chorégraphie : Jiří Kylián
Musique : Lukas Foss, Giovanni Battista Pergolesi, Alessandro Marcello, Antonio Vivaldi, Giuseppe Torelli
Décors : Jirí Kylián
Costumes : Joke Visser
Éclairages : Kees Tjebbes
Durée : 32 minutes
Dernière mise à jour le 5 septembre 2025. La distribution est susceptible d’être modifiée jusqu’au début du spectacle.
(M = matinée, S = soirée)
Pas de deux : Rachele Buriassi et Esnel Ramos (11, 13M, 19, 20S), Aurora De Mori et Roddy Doble (12, 13S, 18, 20M)
Pas de trois : Yui Sugawara, Marcel Gutiérrez et Graeme Fuhrman (11, 13M, 19, 20S), Anya Nesvitaylo, Thomas Leprohon et Antoine Benjamin Bertran (12, 13S, 18, 20M)
Couples - corps de ballet : Bernard Dubois II et Alexandra Eccles, Angel Vizcaíno (11, 13M, 18, 19, 20M) ou Antoine Benjamin Bertran (12, 13S, 19, 20S) et Kiara DeNae Felder, Flemming Puthenpurayil et Sarah Branch, Daniel Leger et Carrigan MacDonald, Felixovich Morante et Anaïs Roy, Étienne Delorme et Rose Trahan
Femme 1 : Anya Nesvitaylo (11, 12, 13S, 18, 20S), Aurora De Mori (13M, 19, 20M)
Femme 2 : Maude Sabourin (11, 12, 13S, 18, 20S), Yui Sugawara (13M, 19, 20M)
Femme 3 : Tuesday Rain Leduc (11, 12, 13S, 18, 20S), Calista Shepheard (13M, 19, 20M)
Femme 4 : Kiara DeNae Felder (11, 12, 13S, 18, 20S), Tatiana Lerebours (13M, 19, 20M)
Femme 5 : Mai Kono (11, 12, 13S, 18, 20S), Anaïs Roy (13M, 19, 20M)
Femme 6 : Sarah Branch
Femme 7 (marcheuse) : Sofía González
Femme 8 (marcheuse) : Éliane Jacques
Femme 9 (marcheuse) : Maeva Marcolini-Bowes
Femme 10 : Aurora De Mori (11, 12, 13S, 18, 20S)
Homme 1 : Étienne Delorme (11, 12, 13S, 18, 20S), Antoine Benjamin Bertran (13M, 19, 20M)
Homme 2 : Daniel Leger (11, 12, 13S, 18, 20S), Hamilton Nieh (13M, 19, 20M)
Homme 3 : Graeme Fuhrman
Homme 3 – spécial : Raphaël Bouchard (18, 20S)
Homme 4 : James Lyttle
Homme 5 (marcheur) : Thomas Leprohon
Homme 6 (marcheur) : Théodore Poubeau
Homme 7 (marcheur) : Antoine Benjamin Bertran
Homme 8 (marcheur) : Oscar Lambert
Raphaël Bouchard et Maude Sabourin
Elke et Ken : Aurora De Mori et Étienne Delorme (11, 13M, 19, 20S), Rachele Buriassi et Daniel Leger (12, 13S, 18, 20M)
B.B. et Stefan : Maude Sabourin et Roddy Doble (11, 13M, 19, 20S), Sarah Branch et Graeme Fuhrman (12, 13S, 18, 20M)
Lorraine et Johan : Anaïs Roy et Célestin Boutin (11, 13M, 19, 20S), Kiara DeNae Felder et Angel Vizcaíno (12, 13S, 18, 20M)
Cora et Joeri : Tuesday Rain Leduc et James Lyttle (11, 13M, 19, 20S), Éliane Jacques et Flemming Puthenpurayil (12, 13S, 18, 20M)
Megumi : Vanesa G.-R. Montoya (11, 13M, 19, 20S), Anya Nesvitaylo (12, 13S, 18, 20M)
LES GRANDS BALLETS
